임산부를 위한 팁

심포니 오케스트라의 악기는 무엇입니까? 오케스트라의 종류. 주요 그룹, 역할 및 기회

, 첼로 , 더블 베이스 . 경험 많은 음악가의 손에 지휘자의 의지에 따라 그들은 함께 모여 어떤 음악적 내용, 어떤 이미지, 어떤 생각도 소리로 표현하고 전달할 수 있는 악기를 형성합니다. 오케스트라의 여러 악기 조합은 천둥, 귀머거리에서 거의 들리지 않는 소리, 날카로운 귀에서 애무하는 부드러운 소리에 이르기까지 거의 무진장한 다양한 소리 세트를 제공합니다. 그리고 S. S. Prokofiev의 비유적 표현에 따르면 "마치 먼지를 닦아내는 것처럼" 복잡한 다층 화음, 서로 다른 멜로디 장식의 패턴화되고 구불구불한 신경총, 거미줄처럼 얇은 천, 작은 소리 "조각" 오케스트라", 그리고 동시에 같은 소리를 연주하는 여러 악기의 강력한 조화 - 이 모든 것은 오케스트라의 지배를 받습니다. 현악기, 관악기, 타악기, 현악기, 건반 등 모든 오케스트라 그룹은 다른 그룹과 분리되어 다른 그룹이 침묵하는 동안 자신의 음악 내레이션을 이끌 수 있습니다. 그러나 그들 모두는 완전히, 부분적으로 또는 개별 대표로서 다른 그룹이나 그 일부와 병합되어 복잡한 음색 합금을 형성합니다. 2세기 이상 동안 작곡가의 가장 소중한 생각, 즉 소리 예술의 역사에서 가장 빛나는 이정표는 교향악단을 위해 고안되고 작곡되었으며 때로는 편곡된 음악과 연결되었습니다.

심포니 오케스트라의 악기 배치.

음악을 사랑하는 사람이라면 누구나 J. Haydn, W. A. Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi의 이름을 알고 기억합니다. , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy , M. Ravel 교향곡 , B. Bartok 및 기타 모음곡 , 그림, 환상, 오케스트라가 반주하는 기악 협주곡, 마지막으로 칸타타, 오라토리오, 오페라 및 발레가 교향악단을 위해 작곡되거나 참여가 포함됩니다. 그를 위해 쓸 수있는 능력은 깊은 특별한 지식, 광범위한 경험, 연습, 그리고 가장 중요한 것은 특별한 음악 능력, 재능 및 재능이 필요한 작곡 예술의 가장 높고 가장 복잡한 영역입니다.

교향악단의 출현과 발전의 역사는 오래된 것의 점진적인 재구성과 새로운 악기의 발명, 그 구성의 증가, 악기의 조합이 사용되는 방식을 개선한 역사, 즉, 오케스트라 또는 악기라고 불리는 음악 과학 분야의 역사, 그리고 마지막으로 교향곡, 오페라, 오라토리오 음악의 역사. 이 네 가지 용어는 모두 "심포니 오케스트라"라는 개념의 네 가지 측면과 밀접하게 관련되어 있습니다. 서로에 대한 그들의 영향은 과거에도 지금도 다양합니다.

"오케스트라"라는 단어는 고대 그리스합창단이 위치한 극장 무대 앞의 반원형 플랫폼 - Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes 시대의 극적인 공연에 없어서는 안될 참가자. 1702년경에 이 단어는 처음으로 오페라에 반주하는 기악 앙상블을 위한 작은 공간을 의미했습니다. 실내악에서 기악 그룹이라고 합니다. XVIII 세기 중반. 오케스트라의 역사에 결정적인 차이를 도입했습니다. 대규모 오케스트라는 소규모 실내악과 반대되는 앙상블이었습니다. 그때까지는 실내악과 관현악 사이에 명확한 선이 그어지지 않았습니다.

"교향악 오케스트라"라는 개념은 K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart가 살고 일했던 고전주의 시대에 나타났습니다. 작곡가가 이 또는 저 목소리, 이 또는 저 음악 라인을 연주하는 각 악기의 이름을 음표에 정확하게 쓰기 시작한 후에 이미 발생했습니다. 빠르면 17세기 초. "오르페우스"의 K. 몬테베르디는 각 번호 앞에 그것을 연주할 수 있는 악기만 나열했습니다. 누가 어떤 라인을 플레이해야 하는지에 대한 질문이 열려 있었습니다. 따라서 40개 항목 중 오페라 하우스그의 고향 베니스에서 오르페우스의 한 공연은 다른 공연과 다를 수 있습니다. 작곡가, 바이올리니스트, 지휘자인 J. B. Lully는 아마도 루이 14세의 궁정에서 결성되고 Lully가 이끄는 현악 앙상블인 "24 Violins of the King"을 위해 특정 악기 세트를 위해 처음으로 작곡했을 것입니다. . 그는 현악 그룹의 고음도 오보에로 뒷받침되었고 저음은 바순으로 뒷받침되었습니다. 전체 구성과 달리 현이 없는 오보에와 바순은 작곡의 중간 부분에 참여했습니다.

17세기 내내 그리고 18세기 전반부. 오케스트라의 초기 기초가 형성됩니다 - 스트링 그룹. 점차적으로 플루트, 오보에, 바순, 호른과 같은 바람 가족의 대표자가 추가됩니다. 클라리넷은 당시의 극도의 불완전성으로 인해 훨씬 나중에 오케스트라에 도입되었습니다. M. I. Glinka는 그의 "Notes on Instrumentation"에서 클라리넷 소리를 "거위"라고 부릅니다. 그럼에도 불구하고 플루트, 오보에, 클라리넷 및 호른으로 구성된 관악 그룹(총 2개)은 모차르트의 프라하 교향곡에, 그 이전에는 동시대의 프랑스인 F. 고섹에 나타납니다. 하이든의 런던 교향곡과 L. 베토벤의 초기 교향곡에는 팀파니와 함께 두 개의 트럼펫이 등장합니다. 19세기에 오케스트라의 관악 그룹은 더욱 강화됩니다. 오케스트라 음악 역사상 처음으로 오페라에서만 사용되던 피콜로 플루트, 콘트라바순, 3개의 트롬본이 베토벤 교향곡 5번의 피날레에 참여한다. R. Wagner는 또 다른 튜바를 추가하여 파이프 수를 4개로 늘렸습니다. 바그너는 주로 오페라 작곡가이지만 동시에 그는 뛰어난 교향악 연주자이자 교향악단의 개혁자로 간주됩니다.

XIX-XX 세기 작곡가의 욕망. 사운드 팔레트를 풍부하게 하기 위해 오케스트라에 특별한 기술 및 음색 기능을 갖춘 여러 악기가 도입되었습니다.

XIX 세기 말까지. 오케스트라의 구성은 인상적이며 때로는 거대한 비율로 이루어집니다. 따라서 말러의 교향곡 8번은 우연히 "천 명의 교향곡"이라고 불리는 것이 아닙니다. R. Strauss의 교향곡과 오페라에는 알토와 베이스 플루트, 바리톤 오보에(헥켈폰), 소형 클라리넷, 콘트라베이스 클라리넷, 알토 및 베이스 파이프 등 다양한 종류의 관악기가 등장합니다.

XX 세기에. 오케스트라는 주로 타악기로 보충됩니다. 그 이전에 오케스트라의 일반적인 구성원은 2-3개의 팀파니, 심벌즈, 베이스 및 스네어 드럼, 삼각형, 덜 자주 탬버린과 톰톰, 벨, 실로폰이었습니다. 이제 작곡가는 반음계인 첼레스타를 제공하는 관현악 종을 사용합니다. 그들은 플렉사톤, 종, 스페인 캐스터네츠, 덜거덕거리는 나무 상자, 딸랑이, 채찍 크래커(그것의 타격은 총알과 같다), 사이렌, 바람 및 천둥 기계, 심지어 나이팅게일의 노래와 같은 악기를 오케스트라에 도입합니다. 특별 레코드에 녹음되었습니다(이탈리아 작곡가 O. Respighi "The Pines of Rome"의 교향시에서 사용됨).

XX 세기 후반. 재즈에서 심포니 오케스트라에 이르기까지 비브라폰, 톰톰, 봉고와 같은 타악기, 드럼 키트가 결합된 "Charleston"("하이햇")과 함께 마라카스도 등장합니다.

현악단과 관악단은 기본적으로 1920년까지 결성되었다. 오케스트라에는 때때로 색소폰 그룹(Wiese, Ravel, Prokofiev의 작품), 금관악대(Tchaikovsky와 Stravinsky의 코넷), 하프시코드, 돔라 및 발랄라이카, 기타, 만돌린 등의 개별 대표가 포함됩니다. 작곡가는 점점 더 작품을 만들고 있습니다. 심포니 오케스트라의 부분 작곡용: 현 단독, 현과 금관, 현과 타악기가 없는 관악 그룹, 타악기가 있는 현용.

20세기의 작곡가들 실내악 오케스트라를 위한 음악을 많이 쓰세요. 그것은 15-20개의 현, 각각 하나의 목관악기, 하나 또는 두 개의 호른, 한 명의 연주자가 있는 타악기 그룹, 하프(대신 피아노 또는 하프시코드가 있을 수 있음)로 구성됩니다. 이와 함께 각 변종(또는 그 중 일부)에서 한 명의 대표자가 있는 독주자 앙상블을 위한 작품이 나타납니다. A. Schoenberg, A. Webern, Stravinsky의 모음곡 "The Story of a Soldier", 소련 작곡가의 작품 - 동시대 작곡가인 M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov 등의 실내 교향곡과 희곡이 있습니다. 점점 더 작가들은 비정상적이거나 비상 사태라고 말하는 작곡으로 눈을 돌리고 있습니다. 그들은 음색의 역할 때문에 독특하고 희귀한 소리가 필요합니다. 현대 음악전에 없이 성장했습니다.

그럼에도 불구하고 항상 새로운 음악과 최신 음악을 연주할 수 있는 기회를 갖기 위해 교향악단의 구성은 안정적으로 유지됩니다. 현대교향악단은 대교향악단(약 100명의 연주자), 중형(70~75명), 소(50~60명)의 교향악단으로 나뉜다. 대규모 교향악단을 기반으로 각 작품마다 연주에 필요한 구성을 선택할 수 있습니다. 민요 A. K. 리아도프나 차이코프스키의 "현악 세레나데", 다른 하나는 스트라빈스키의 "페트루슈카" 또는 라벨의 불 같은 "볼레로"를 위한 베를리오즈, 스크리아빈, 쇼스타코비치의 장대한 캔버스를 위한 것입니다.

무대 위의 뮤지션들은 어떤가요? XVIII-XIX 세기. 첫 번째 바이올린은 지휘자의 왼쪽에, 두 번째는 오른쪽에, 비올라는 첫 번째 바이올린 뒤에, 첼로는 두 번째 바이올린 뒤에 앉았습니다. 현악 그룹 뒤에는 목관 그룹 앞에, 금관 그룹 뒤에는 일렬로 앉았습니다. 더블 베이스는 오른쪽 또는 왼쪽의 배경에 위치했습니다. 나머지 공간은 하프, 첼레스타, 피아노 및 타악기에 사용되었습니다. 우리 나라에서는 음악가가 1945 년 미국 지휘자 L. Stokowski가 도입 한 계획에 따라 앉습니다. 이 계획에 따르면 지휘자의 오른쪽에 두 번째 바이올린 대신 첼로가 전경에 배치됩니다. 그들의 이전 장소는 이제 두 번째 바이올린이 차지합니다.

지휘자가 지휘하는 교향악단. 그는 오케스트라의 연주자들을 하나로 묶고 리허설과 콘서트에서 자신의 연주 계획을 실현하기 위해 모든 노력을 기울입니다. 지휘는 특별히 설계된 손 움직임 시스템을 기반으로 합니다. 지휘자는 보통 오른손에 지휘봉을 들고 있습니다. 가장 중요한 역할은 그의 얼굴, 외모, 표정입니다. 지휘자는 교육을 많이 받은 사람이어야 합니다. 그는 다양한 시대와 스타일의 음악에 대한 지식, 오케스트라 악기와 그 능력, 예리한 귀, 작곡가의 의도를 깊이 꿰뚫는 능력이 필요합니다. 수행자의 재능은 조직 및 교육 능력과 결합되어야 합니다.

풀 심포니 오케스트라의 주요 구성은 소위 더블스, 여기서 솔로(바람) 음색은 쌍으로 표시됩니다.

2개의 플루트(I-II),

2개의 오보에(I-II),

2개의 클라리넷(I-II),

2개의 바순(I-II),

2쌍의 뿔(I-II, III-IV),

2개의 파이프(I-II),

1명의 팀파니스트,

2-3명의 드러머,

제1바이올린(16명 - 8대),

두 번째 바이올린(14명 - 7개 콘솔),

비올라(12명 - 6개 콘솔),

첼로(10명 - 5개 콘솔),

더블 베이스(8명 - 4개 콘솔).

에 트리플 라인업전체 심포니 오케스트라의 솔로 음색은 특히 모든 종류의 목관 악기로 보충하여 세 가지 악기로 표현됩니다.

2개의 플루트(I-II),

작은 플루트(일명 III 플루트),

2개의 오보에(I-II),

잉글리시 호른(일명 III 오보에),

2개의 클라리넷(I-II),

작은 클라리넷(일명 III 클라리넷) 또는 베이스 클라리넷(일명 III 클라리넷),

2개의 바순(I-II),

콘트라바순(일명 III 바순),

뿔 3쌍(I-II, III-IV, V-VI),

<стр. 215>

3개의 파이프(I-II, III),

1명의 팀파니스트,

3-4명의 드러머,

활 악기 그룹(이전 악기와 동일한 구성).

19세기 말부터 3중 작곡은 음악 연습에서 가장 일반적이었으며 모든 교향악단을 완성하는 데 필수적입니다.

타악기와 하프(1개에서 3개)는 오케스트라의 구성에 관계없이 사용할 수 있습니다(즉, 수량에 대한 규제가 없음).

솔로 보이스의 수를 더 늘려서 다양한 쿼드, 퀸튜플 및 기타 오케스트라 구성을 얻을 수 있습니다. 동시에 관악기의 추가 증가는 일반적으로 불균등하게 진행되며, 예를 들어 5개의 트럼펫(스크리아빈의 "황홀의 시"에서와 같이)의 존재는 10개의 뿔의 필수 존재를 전혀 결정하지 않습니다. 점수("황홀의 시"에는 그 중 8개가 있습니다).

과량 제형 중 가장 안정한 것은 네 배로전체 심포니 오케스트라의 구성. 다음과 같습니다.

2개의 플루트(I-II),

첫 번째 작은 플루트(III 플루트라고도 함),

두 번째 작은 플루트(IV 플루트라고도 함),

4개의 오보에(I-II-Sh),

잉글리시 호른(IV 오보에라고도 함),

2개의 클라리넷(I-II),

작은 클라리넷(일명 III 클라리넷),

베이스 클라리넷(IV 클라리넷이라고도 함),

3개의 바순(I-II-Sh),

콘트라바순(IV 바순이라고도 함),

4쌍의 뿔(I-II, III-IV, V-VI, VII-VIII),

4개의 파이프(I-II, III-IV),

<стр. 216>

1명의 팀파니스트,

4-5명의 드러머,

이전 작곡과 같은 양의 활 악기.

사실, 활을 휘감은 악기와 관련하여 관악기를 한 쌍으로 구성하면 약간 더 적은 수, 즉 12개의 첫 번째 바이올린, 10개의 두 번째 바이올린, 8개의 비올라, 8개의 첼로 및 5~6개의 더블 베이스.

반대로 현 그룹이 4중 구성의 관악기를 울려야 하는 엄청난 부담을 안고 있을 때는 앞에서 언급한 현 전체 덩어리의 존재가 절대적으로 필요합니다.

그러나 현악기의 수를 과도하게 늘리는 것도 권장하지 않습니다. 활을 휘두른 악기의 소리가 너무 크면 목관 악기의 음색이 흘러나오고 흡수할 수 있으며 심지어 금관 악기의 밝기와 강도가 약해질 수 있기 때문입니다.

따라서 오케스트라의 일반적인 활 악기 수는 첫 번째 바이올린의 경우 12~16개, 두 번째 바이올린의 경우 10~14개입니다. 비올라는 8~12, 첼로는 8~10, 더블베이스는 5~8입니다. 많은 오케스트레이터가 비올라 수보다 첼로 수의 우위를 선호하고 현 수의 다음 비율이 정확하다고 생각한다는 점에 유의해야 합니다. 16-14-10-12-8.

제외하고 전체 분대심포니 오케스트라, 여전히 다양한 불완전한그리고 작은제형.

그 중 소위 말하는 베토베니아구성: 플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개, 바순 2개, 호른 2개, 트럼펫 2개, 팀파니 3개, 제1 바이올린 10개, 제2 바이올린 8개, 비올라 6개, 첼로 5-6개, 더블 베이스 3-4개.

오케스트레이터는 솔로 보이스의 수뿐만 아니라 각 활 악기 그룹의 연주자 수 면에서도 자신이 선택한 구성을 정확하게 상상해야 합니다. 이것은 그룹을 독립적인 정당(divisi)으로 복잡하게 나눌 때 특히 중요합니다.

<стр. 217>

현악기 그룹을 별도의 부분으로 나눌 때 다음(이탈리아어) 용어가 사용됩니다.

a) divisi(div로 약칭됨) - 2개의 당사자로 나눕니다.

b) 3분할(4분할 등) - 3분할(4분할 등).

divisi 연주를 거부하는 것은 non divisi 또는 unisono(unis로 약칭)라는 명칭입니다.

한 솔로이스트가 연주하면 솔로라는 단어가 프레이즈 앞에 놓이고 이 그룹의 다른 연주자는 altri(나머지)라는 용어로 표시됩니다.

2명의 독창자와 그 이상에 의한 악구의 연주는 다음과 같은 비문에 의해 규정됩니다. a 2 soli; 3솔리 등

sul ponticello, sul tasto, col legno 연주를 거부하는 것은 ordinare(ord.로 축약됨)라는 단어입니다.

각 관악기는 그룹으로 연주되는 현과 달리 솔로 음색입니다. 따라서 이들 각각은 고유한 일련 번호를 가지며 이러한 문구가 하나의 악기(I°, II°, III° 등)에만 위임된 경우 해당 문구 앞에 표시됩니다.

한 줄에 녹음된 두 개(또는 세 개 이상) 악기의 게임은 a 2(a 3, a 4)라는 용어로 표시됩니다.

위에 주어진 완전하고 특히 불완전한 교향악단의 구성은 전형적인 계획입니다. 라이브 연습은 삼진 구성의 목관 악기가 금관 악기 쌍과 결합되거나 그 반대의 경우도 마찬가지인 다양한 혼합 옵션을 만듭니다.

이 책을 마치면서 우리는 오케스트라 연주자들이 뛰어난 작곡에 현혹되지 않았으면 하고, 일반적인 평균 심포니 오케스트라의 연주에 접근할 수 없는 악보를 쓰지 않기를 바랄 뿐입니다.

표기법의 차이에 주의해야 합니다. divisi in 2(in 3 등)와 divisi a 2(a 3 등). 첫 번째 경우 모든 출연자는 다음으로 나뉩니다. 둘 (삼등) 당사자; 두 번째 - 둘 (삼등) 연주자들이 연주하고 있다 각자 자신의파티.

<стр. 218>

관현악 작문은 악기 수가 너무 많은 구성의 귀청이 나는 소음으로 무력함을 덮고자 하는 사람들이 접근할 수 없는 겸손한 페어 구성에서 그러한 울림을 추출하는 것을 가능하게 합니다.

최소한의 필요한 수단으로 최대한의 기술이 예술적으로 본격적인 악보를 쓰는 성공의 열쇠입니다.

바실렌코 S.교향악단을 위한 악기 / Ed. 그리고 추가로 Y. 포르투나토바. 엠., 1959.

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로갈-레비츠키 D.현대 오케스트라. - 엠., 1956.

현악기 ........................................................................... ........................................... 6

일반 정보 .................................................................................. ........................................................................... .. ..6

바이올린................................................. .................................................................................. . ........... 37

알토................................................. .................................................................................. . ........................... 54

첼로................................................. .................................................................................. . ..... 56

콘트라베이스 ........................................................... ........................................................................... ........................... 65

목관 악기 .................................................................................. ........................................................... 72

일반 정보 .................................................................................. ........................................................................... .. 72

플루트................................................. .................................................................................. . ........................... 78

오보에................................................. .................................................................................. . .................. 89

클라리넷................................................. .................................................................................. . ............ 94

바순................................................. .................................................................................. . .............. 100

색소폰................................................. .................................................................................. . ....... 105

목관악기 연주의 가능성 확장. 106

금관 악기 .................................................................................. ........................................................... 112

일반 정보 .................................................................................. ........................................................................... 112

프렌치 호른................................................ .................................................................................. ........... 126

파이프................................................. .................................................................................. . .............. 136

트롬본................................................. .................................................................. . ........... 141

튜바................................................. .................................................................. . ........... 147

코넷과 색스혼 .................................................................................. ........................................................... 151

금관 악기 연주를 위한 특수 기법........................................... 156

하프................................................. .................................................................. . ........................... 158

타악기 .................................................................................. ........................................................... 172

일반 정보 .................................................................................. ........................................................................... .... 172

팀파니 .................................................................. .................................................................................. ........... 177

큰 드럼 .................................................................. ........................................................... ....... 181

작은 북 ................................................ ........................................................... ........... 182

탬버린(탬버린) ........................................................... .................................................................................. 184

톰톰 ........................................................... ........................................................................... ........................... 186

봉.................................................................. .................................................................. . ........... 187

탐탐 .................................................................. .................................................................. . ........... 188

<стр. 221>

징................................................. .................................................................................. . ........... 189

플레이트 .................................................................................. .................................................................................. . ........... 190

삼각형................................................. .................................................................................. . 192

벨 .................................................................. ........................................................... .............. 193

셀레스타 .................................................................. .................................................................................. ........... 195

비브라폰 .................................................................. .................................................................................. ...... 196

목금................................................. .................................................................................. . ..... 198

벨 .................................................................................. .................................................................................. . ........... 203

튜바폰 .................................................................. .................................................................................. ........... 205

템플 블록 ........................................................... . ........................................................................... .... 205

음정이 무한한 Idiophones ........................................................................... ........... 206

피아노의 특수 음향 효과.................................................................................. ........................... 210

연주자 간의 대략적인 타악기 분포 212

심포니 오케스트라의 전형적인 구성에 대한 정보 .................................................. 214

<стр. 222>

M. 출라키

89장 교향악단의 악기: 설명서. - St. Petersburg: Composer St. Petersburg, 2004. - 224 p., notes, ill.

ISBN 5-7379-0260-9

매뉴얼에는 심포니 오케스트라 악기의 구조, 연주 방법 및 제작 역사에 대한 기본 정보가 포함되어 있습니다. 네 번째 판에서 저자는 많은 설명과 추가 사항을 소개했습니다.

음악 학교의 학생들과 오케스트라의 기초를 공부하는 음악가를 위해 설계되었습니다.

음악 수업. 7 학년
주제: "오케스트라. 심포니 오케스트라 악기»

오늘날에는 한 명의 음악가가 컴퓨터의 도움으로 전체 오케스트라의 사운드를 추출할 수 있지만 수백 명의 음악가가 한 자리에 모여 라이브 음악을 연주하는 오케스트라보다 더 매혹적인 것은 없습니다.

고대 그리스인들은 "오케스트라(orchestra)"라는 단어를 음악가와 무용수가 공연하는 무대 앞의 지역을 지칭하는 데 사용했습니다. 이제 오케스트라는 타악기 그룹의 지원을 받아 현악과 금관 악기 및 목관 악기로 음악을 연주하는 대규모 음악가 그룹의 이름입니다. 일반적으로 하나의 주제는 한 명의 음악가가 아니라 여러 명이 연주합니다. 예를 들어, 현대 오케스트라는 70명에서 100명의 참가자를 가질 수 있으므로 콘서트 중에 가장 복잡한 음악 형식인 교향곡을 연주하고 독주자를 반주할 수 있습니다. 더 읽기...

오케스트라는 주어진 구성을 위해 특별히 설계된 작품을 연주하는 대규모 악기 그룹입니다.
구성에 따라 오케스트라는 표현력, 음색 및 동적 기능이 다르며 이름도 다릅니다.
교향악단(대소),
챔버, 민속 악기 오케스트라,
바람,
팝,
재즈.

금관악기1-플루겔호른
2파이프
3-음소거

4혼
5코넷
6코넷 알토

7혼
8-트롬본
9베이스 트롬본

10 알트
11 테너
12-바리톤

13 튜바
15튜브 헬리콘
16-헬리콘 베이스

구리 관악기의 제조에는 구리 금속(구리, 황동 등)이 사용됩니다.
관악기의 전체 그룹이 오케스트라에서 강력하고 엄숙하고 찬란하고 밝게 들립니다.
금관 악기는 뚜렷한 방향성이 다른 모든 악기와 다릅니다. 금관 악기는 또한 다소 큰 음량과 소음이 전혀 없다는 점에서 구별됩니다. 자세히 ... 황동 관악기

선사 시대 사람이 갈대, 뿔 또는 조개 껍질에서 소리를 추출할 가능성을 깨달은 발전 단계에 도달했을 때 비로소 그는 이러한 단순한 악기의 추가 개선에 대해 생각하기 시작했습니다. 물론 그러한 악기를 "마스터"하는 데 몇 천년이 걸렸는지 말하기는 어렵지만, 당시 음악가들이 이러한 소리를 내는 물체를 구별하지 않고 하나의 이름으로 불렀다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 원시인의 의식이 갈대, 뿔, 조개껍질 소리의 차이를 느끼는 법을 배웠을 때 비로소 최초의 악기를 '대'와 '소'로 구분하기 시작했을 것입니다.
트럼펫에는 울려 퍼지는 "목소리"가 있습니다. 오케스트라 전체가 연주될 때에도 트럼펫의 큰 소리가 들립니다. 종종 트럼펫에는 솔로 파트가 있습니다.
더 읽기 ... 금관 악기 조합의 눈에 띄는 대표자는 트럼펫입니다.

금관 악기

테너와 바리톤뿐만 아니라 알토도 중층의 악기에 속합니다. 이 악기의 모양과 음계는 다양한 변화를 겪었습니다. 그 중 일부는 트럼펫이나 트롬본과 같이 길쭉한 관 모양을 가지고 있었고, 다른 것들은 프렌치 호른과 비슷하게 둥글고, 다른 것들은 타원형이거나 그것에 가깝습니다. 멋진. 알려진 바와 같이 우리의 연습에서 타원형 모양이 확립되어 소리의 과도한 선명도(예: 튜바의 전형적인) 또는 반대로 약한 소리(혼에 내재된)를 부드럽게 하는 데 도움이 됩니다. 더 읽어보기... 금관악기

금관 악기 관악기의 다른 금관 악기 대표자들과 달리 튜바는 다소 어린 악기입니다. 그것은 독일에서 19세기 후반에 지어졌습니다. 첫 번째 튜바는 불완전했으며 처음에는 군대 및 정원 오케스트라에서만 사용되었습니다. 프랑스에 도착했을 때만 기악 마스터 아돌프 삭스(Adolphe Sax)의 손에 의해 튜바는 교향악단의 높은 요구 사항을 충족하기 시작했습니다.
튜바는 금관악기 그룹에서 가장 낮은 음역까지 도달할 수 있는 베이스 악기입니다. 더 읽기...

슬라이드 #10

테너. 메인 그룹의 미들 튜닝 대표자들 사이에서 중심적인 위치를 차지하는 이 악기는 대부분의 음역에 걸쳐 풍부하고 부드러운 음색의 균일성이 두드러집니다. 가장 훌륭하고 표현력이 뛰어나고 기술적으로 유연한 것은 중간 음역이며 종종 가까운 고음역의 소리로 보완됩니다.바리톤. 이 도구는 가장 완벽한 유형의 광구 도구로 간주됩니다. 멜로디를 표현하는 바리톤의 능력은 그를 바리톤, 테너 및 알토 테시투라의 주요 성악 부문에서 앞섰습니다. 더 읽기...

금관 악기

슬라이드 #11

쿠라이는 타타르 민속 악기입니다. 우산 식물의 줄기에서 나온 열린 세로 홈은 나무 또는 금속으로 만들어진 원통형 또는 원추형 채널이 있는 튜브입니다.

슬라이드 #12

타악기의 임무는 오케스트라의 음색을 향상시키고 더 다채롭게 만들고 리듬의 표현력과 다양성을 보여주는 것입니다.

슬라이드 #13

타악기큰 북은 양쪽 또는 한쪽이 가죽으로 덮인 거대한 금속 실린더입니다. 일방적인 큰 북은 주로 심포니 오케스트라에서 사용되며 특수 기계에서 강화됩니다.

큰 드럼은 교향악단과 금관악대 모두에서 널리 사용됩니다. 그의 역할은 행진 행진에서 특히 훌륭합니다. 그는 정기적으로 (보통 심벌즈와 함께) 소절의 두 비트를 강조합니다. 더 읽기...

슬라이드 #14

작은 드럼. 그 디자인은 매우 간단합니다. 양쪽이 가죽(또는 플라스틱)으로 덮인 평평한 실린더입니다. 그것은 밑면의 피부 위로 뻗어 있는 여러 개의 현을 가지고 있으며, 이는 작은 북의 음색에 특징적인 덜거덕거리는 그늘(탁탁탁탁)을 줍니다. 그들은 끝이 약간 두꺼워진 두 개의 나무 막대기로 작은 북을 쳤습니다. 더 읽어보기… 타악기

슬라이드 #15

접시. 그들은 두 개의 금속 디스크로 구성되어 있으며 연주자는 특수 스트랩을 사용하여 손에 쥐고 있습니다.
심벌즈는 매우 밝은 음색을 가지고 있습니다.심벌즈를 연주하는 주요 기술은 한 심벌즈를 다른 심벌즈에 두드리는 것입니다. 막대기 또는 망치로 연주하는 다른 방법이 있습니다. 더 읽기...

타악기

슬라이드 #16

현악기1-비올라
2-비올라 드 감바
3-바이올린
4-활
5-알토
6 빌론첼로
7-더블 베이스
8-만달리나
9 류트
10기타
11-일렉트릭 기타
12반조
13-발랄라이카
14구슬리
15-핌벌

슬라이드 #17

바이올린 (It. 바이올린, 프랑스어 바이올린, 영어 바이올린, 독일 바이올린, Geige)
바이올린은 다른 초기 활 현악기의 후손이라고 하는 것이 맞습니다.
현 기술에 대해 언급된 모든 것은 특히 바이올린에 적용됩니다. 바이올린은 활을 휘두르는 악기 중에서 가장 움직이기 쉽고 유연한 악기입니다.
그녀의 기술적 능력은 17세기에 Vitali, Torelli 및 Corelli와 같은 거장들의 예술과 함께 성장했으며 이후에는 Tartini, Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Isai 및 N. Paganini와 같은 거장들의 예술과 함께 성장했습니다. 저항할 수 없는 효과를 줍니다.바이올린 연주 메인 테마, - Rimsky-Korsakov의 "Scheherazade"를 예로 들 수 있습니다.
모든 자질에 대해 바이올린은 피아노와 함께 오랫동안 단독 콘서트 악기에서 주도적인 역할을 해왔습니다. 더 읽기...

현악기

슬라이드 #18

첼로 (it.violoncello)
첼로는 16세기 후반에 음악 생활에 들어갔다. Magini, Gasparo de Salo, 그리고 나중에 Amati와 Stradivari와 같은 뛰어난 기악의 거장들의 예술 덕분에 첼로가 탄생했습니다.비올라와 마찬가지로 첼로는 오랫동안 오케스트라의 보조 악기로 여겨져 왔습니다. 18세기 말까지 작곡가들은 주로 베이스 성부로 사용했고, 지난 세기 초에는 이와 관련하여 첼로와 더블베이스 파트가 한 줄로 악보에 기록되었다.
베토벤은 첼로 음색의 아름다움을 "발견"한 최초의 사람이었습니다. 그를 따라 작곡가들은 그 소리를 오케스트라의 노래 목소리로 바꾸었습니다. 차이코프스키 교향곡 6번의 2부를 기억해 봅시다. 더 읽기...

현악기

슬라이드 #19

Alto (It. alto, 독일어 Alt)
비올라의 모양과 연주 방법은 바이올린과 매우 유사하므로 크기의 차이를 느끼지 못한다면(그리고 이렇게 하는 것이 매우 어렵습니다. 비올라가 바이올린보다 눈에 띄게 큽니다), 쉽게 혼동될 수 있습니다.
비올라의 음색은 광택과 밝기면에서 바이올린보다 열등하다고 믿어집니다. 그럼에도 불구하고 이 악기에는 고유한 장점도 있습니다. 즉, 애절하고 몽환적이며 낭만적인 음악에 없어서는 안 될 요소입니다. 기교 면에서 비올라는 거의 바이올린과 비슷하지만, 비올라의 크기가 커서 연주자가 적절한 손가락 스트레칭과 체력을 필요로 한다. 더 읽어보기...현악기

슬라이드 #20

더블 베이스는 크기와 낮은 음역의 볼륨면에서 다른 제품보다 훨씬 뛰어납니다. 더블 베이스는 첼로 크기의 두 배, 비올라 크기의 두 배입니다.
아마도 오래된 비올의 후손인 더블 베이스가 17세기 오케스트라에 등장했을 가능성이 큽니다. 더블베이스의 모양은 오늘날까지 고대 비올의 특징을 유지하고 있습니다. 몸은 위쪽을 향하고 측면은 경사져 있습니다. 덕분에 연주자는 몸을 구부릴 수 있습니다. 윗 부분가장 높은 소리를 추출하기 위해 목 아래까지 "손을 뻗습니다." 악기가 너무 커서 연주자가 서 있거나 높은 의자에 앉아 연주합니다.
더 읽어보기...현악기

슬라이드 #21

String InstrumentsDomra는 러시아 음악 현악기입니다. 그 기원에 대해서는 알려진 바가 많지 않습니다. 러시아의 돔라에 대한 정보는 고대 궁전 기록과 대중적인 인쇄물에만 보존되어 있습니다. 돔라를 연주하는 사람들을 돔라치라고 불렀습니다. 일부 역사가들은 돔라의 조상이 가장 오래된 TANBUR 악기라고 믿습니다.

발랄라이카의 기원에 대한 역사는 수세기의 깊이에 뿌리를 두고 있습니다. 많은 사람들은 balalaika가 러시아에서 발명되었다고 믿고 다른 사람들은 그것이 Kirghiz-Kaisaks의 민속 악기 인 dombra에서 나왔다고 생각합니다. 또 다른 버전이 있습니다. 아마도 balalaika는 Tatar 통치 중에 발명되었거나 적어도 Tatars에서 빌린 것입니다.

슬라이드 #22

기타는 현악기입니다.
기타의 주요 구조적 세부사항:
액자,
프렛과 헤드가 있는 넥
평평한 공명판이 있는 몸체와 나무 또는 대용품으로 만들어진 특징적인 브릿지에는 프렛이 있습니다(보통 최대 24개).
기타에는 다양한 종류가 있습니다.
음향학
6현(클래식(스페인어), 어쿠스틱)
7현(러시안 기타, 로망스, 집시)
9현 - 2배의 낮은 3현이 다릅니다.
12-string - 이중 문자열이 다릅니다. 쌍을 이루는 현은 한 옥타브 떨어져 조율됩니다.
하와이안
베이스 - 4현 더 읽기 ...현악기

슬라이드 #23

하프 (It.arpa, 프랑스어 하프, 독일 하프, 영어 하프)
하프는 인류의 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 이것은 현이 늘어진 활에서 유래했으며, 발사할 때 멜로디가 들렸습니다. 나중에는 현의 소리가 신호로 사용되었습니다. 길이가 같지 않기 때문에 높이가 다른 소리를내는 활에서 처음으로 3 ~ 4 개의 활 현을 뽑은 사람이 최초의 하프를 만든 사람이되었습니다. 기원전 15세기 이집트 프레스코화에서도 하프는 여전히 활과 비슷합니다. 그리고이 하프는 가장 오래된 것이 아닙니다. 고고학자들은 메소포타미아의 수메르 도시 우르를 발굴하는 동안 가장 오래된 것을 발견했습니다. 기원전 26세기에 4천 5백 년 전에 만들어졌습니다.
고대에 동양, 그리스, 로마에서 하프는 가장 흔하고 사랑받는 악기 중 하나였습니다. 더 읽어보기...현악기

슬라이드 #24

목관 악기 1-작은 플루트
2플루트
3번 오보에
4혼
5-작은 클라리넷

6-클라리넷
7-클라리넷 베이스
8 바순
10-콘트라바순
11색소폰 소프라노

12색소폰 알토
13색소폰 테너
14색스 바리톤
17-지팡이

슬라이드 #25

목관 악기 오보에(독일어: 오보에)
고대부터 오보에는 플루트와 경쟁합니다. 오보에는 원시 플루트의 혈통을 추적합니다. 오보에의 조상 중에서 그리스의 아우로스가 가장 널리 사용되었는데, 이것이 없으면 고대 그리스인들은 잔치나 연극 공연을 상상할 수 없었습니다. 오보에의 조상은 중동에서 유럽으로 건너왔습니다.
17세기에 오보에는 파이프 형식의 악기인 봄바르다(Bombarda)로 만들어졌으며 오케스트라에서 즉시 인기를 얻었습니다. 그것은 곧 콘서트 악기이기도 했다. 거의 한 세기 동안 오보에는 음악가와 음악 애호가의 우상이었습니다. 최고의 작곡가 17-18세기 - 룰리, 라모, 바흐, 헨델 - 이 취미에 경의를 표했습니다. 예를 들어 헨델은 현대 오보에 연주자조차 혼동할 수 있는 오보에를 위한 협주곡을 작곡했습니다. 그러나 19세기 초에 오케스트라에서 오보에의 “컬트”가 다소 쇠퇴했고 목관악기 그룹의 주역은 클라리넷으로 넘어갔다. 더 읽기...

슬라이드 #26

오보에, 플루트 및 바순이 4세기 이상 오케스트라에 있었다면 클라리넷은 18세기에만 오케스트라에 확고하게 들어왔습니다. 클라리넷의 조상은 중세 민속 악기 인 플루트 "chalumo"였습니다. 1690년에 독일 마스터 Denner가 그것을 개선했다고 믿어집니다. 악기의 고음역은 날카롭고 날카로운 음색으로 동시대 사람들을 강타했습니다. 즉시 "클라리노"라고 불렸던 파이프 소리가 떠올랐습니다. 새로운 악기는 "작은 트럼펫"을 의미하는 클라리넷이라고 이름이 지정되었습니다. 모든 목관악기 중에서 클라리넷만이 소리의 크기를 유연하게 변경할 수 있습니다. 클라리넷의 이러한 특성과 기타 많은 특성으로 인해 클라리넷은 오케스트라에서 가장 표현력이 뛰어난 음색 중 하나가 되었습니다. 같은 줄거리를 다루는 두 명의 러시아 작곡가가 정확히 같은 방식으로 행동했다는 사실이 궁금합니다. "눈의 처녀"인 Rimsky-Korsakov와 Tchaikovsky에서 Lel의 양치기 곡은 클라리넷에 맡겨져 있습니다.

목관 악기

슬라이드 #27

플루트
플루트는 고대부터 이집트, 그리스, 로마에서 알려진 세계에서 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 고대부터 사람들은 한쪽 끝이 닫혀 있는 잘린 갈대에서 음악적 소리를 추출하는 법을 배웠습니다. 이 원시 악기는 분명히 플루트의 먼 조상이었던 것 같습니다. 중세 유럽에서는 직선형과 가로형의 두 가지 유형의 플루트가 널리 보급되었습니다. 직선형 플루트 또는 "팁형 플루트"는 오보에나 클라리넷처럼 똑바로 앞으로 쥡니다. 비스듬한 또는 가로 방향 - 비스듬히. 가로 플루트는 개선하기 쉽기 때문에 더 실행 가능한 것으로 판명되었습니다. 18세기 중반에 마침내 교향악단의 직선 플루트를 대체했습니다. 동시에 플루트는 하프, 하프시코드와 함께 가장 사랑받는 가정용 악기 중 하나가 되었습니다. 예를 들어, 플루트는 러시아 예술가 페도토프와 프로이센 왕 프리드리히 2세가 연주했습니다.

슬라이드 #28

여러 악기의 특징은 흰색과 검은색 건반이 있다는 것입니다. 이 건반을 통틀어 건반이라고 하거나 오르간의 경우 매뉴얼이라고 합니다.
주요 건반 악기: 오르간(친척 - 휴대용, 긍정적), 클라비코드(관련 - 이탈리아의 스피넷, 영국의 버진날), 하프시코드, 피아노(품종 - 피아노 및 피아노).
음원에 따라 건반 악기는 두 그룹으로 나뉩니다. 첫 번째 그룹에는 현이 있는 악기가 포함되고 두 번째 그룹에는 오르간 형식의 악기가 포함됩니다. 현 대신 다양한 모양의 파이프가 있습니다.

슬라이드 #29

오르간 (It.organo, French orgue, German Orgel, English Organ)
건반 관악기 - 오르간 -은 고대에 알려져 있었습니다. 고대 기관에서는 손으로 벨로우즈로 공기를 펌핑했습니다. 중세 유럽에서 오르간은 교회 예배의 도구가 되었습니다. 오르간 폴리포닉 예술이 탄생한 것은 17세기의 영적 환경에서였으며, 그 중 최고의 대표자는 프레스코발디, 바흐, 헨델이었습니다.
오르간은 다양한 음색을 가진 거대한 악기입니다.
"이것은 숙련된 손으로 모든 것을 전달하고 표현할 수 있는 전체 오케스트라입니다."라고 Balzac은 그에 대해 썼습니다. 더 읽기...

슬라이드 #30

건반 악기 Bayan은 건반 관악기 그룹에 속합니다. 이 민속 악기는 1870년 러시아의 N. Beloborodov가 디자인한 반음계 하모니카의 개선으로 탄생했습니다. 러시아 하모니스트 Y. Orlansky-Titarenko는 개선된 반음계 하모니카에 "버튼 아코디언"이라는 이름을 붙였습니다.

툴라 아코디언

바얀 에뛰드

슬라이드 #31

아코디언 (프랑스 아코디언에서)은 러시아뿐만 아니라 해외에서도 가장 인기있는 악기 중 하나입니다. 아코디언은 연주자들 사이에서 특히 인기를 얻었습니다. 민속 음악러시아, 이탈리아, 독일, 프랑스, 불가리아, 라트비아, 미국 및 기타 여러 국가에서.. 아코디언은 금속 리드를 자유롭게 미끄러져 소리를 내는 악기입니다. 모의. 연주자는 왼손으로 벨로우즈를 제어하고 오른손으로 연주되는 멜로디에 맞춰 베이스 및 코드 버튼도 누릅니다.

건반 악기

슬라이드 #32

건반 악기 피아노의 사운드 소스는 펠트로 덮인 나무 해머의 충격으로 소리가 나기 시작하는 금속 현이며 해머는 건반에 대한 손가락 압력에 의해 구동됩니다.
15세기 초에 이미 알려진 최초의 건반 악기는 하프시코드와 클라비코드(이탈리아어로 clavicembalo)였습니다. 클라비코드에서 현은 금속 레버(탄젠트, 하프시코드: 까마귀 깃털, 나중에는 금속 후크)로 진동했습니다. 이 악기의 소리는 동적으로 단조롭고 빠르게 흐려졌습니다. 더..

심포니 오케스트라는 다양한 음악 작품을 연주하는 대규모 음악 그룹으로 간주됩니다. 이러한 오케스트라는 전통적인 서유럽 음악을 연주합니다. 여러 악기, 심포니 오케스트라의 관악기를 포함하여.

교향악단의 구성과 특징

네 가지 범주의 음악가가 현대 집단에 참여합니다. 음악이 연주되는 악기는 다양성, 리듬, 사운드 기능 및 동적 속성이 다릅니다. 그룹의 기초는 현악기를 연주하는 음악가로 구성됩니다. 그들의 수는 전체 공연자 수의 2/3입니다. 심포니 오케스트라에는 다음이 있습니다.

베이시스트;
첼리스트;
바이올리니스트;
비올라 연주자.

일반적으로 멜로디 시작의 주요 캐리어는 현입니다.

목관악기와 금관악기

또 다른 그룹은 다음을 포함하는 심포니 오케스트라 목관 악기입니다.

바순;
오보에;
클라리넷;
플루트.

이러한 각 악기에는 고유한 부분이 있습니다. 우리가 그것들을 활과 비교한다면, 그들은 공연 기술에서 그러한 폭과 다양성을 가지고 있지 않습니다. 그러나 그들은 소리의 조밀함의 순간에 큰 강도와 음영의 밝기를 가지고 있습니다.

금관 악기는 또한 심포니 오케스트라에서 생생한 사운드를 생성합니다. 여기에는 다음이 포함됩니다.

파이프;
튜브;
어느 한 쪽;
트롬본.

그들 덕분에, 음악 작품파워가 나타나므로 전체적인 연주에서 기본적이고 리드미컬한 반죽으로 작용한다.

오케스트라에서 바이올린의 역할

바이올린이 가장 높은 소리를 냅니다. 이 악기는 폭넓은 표현력과 기술적 가능성이 특징입니다. 따라서 바이올린은 실행을 위임받습니다.

어렵고 빠른 구절;
다른 트릴;
넓고 선율적인 도약;
트레몰로.

비올라는 바이올린과 비슷한 방식으로 연주되는 현악기입니다. 전문가들은 비올라 음색의 밝기와 밝기가 바이올린보다 열등하다고 인정합니다. 그러나 애절하고 몽환적이며 낭만적인 음악을 전달하는 데는 탁월하다.

그러나 첼로는 비올라의 두 배 크기이지만 활은 비올라나 바이올린보다 짧습니다. 이 악기는 "발" 범주에 속합니다. 그것은 무릎 사이에 설치되고 금속 첨탑으로 바닥에 놓여 있습니다.

콘트라베이스는 훨씬 더 큽니다. 따라서 연주자는 서 있거나 다리가 높은 의자에 앉아 연주합니다. 이 악기는 가장 빠른 악절을 연주할 수 있습니다. 그는 베이스 보이스의 일부를 연주하면서 현 소리의 기초를 형성할 수 있습니다. 종종 그의 소리는 재즈 오케스트라의 일부로 들릴 수 있습니다.

"마법" 플루트, 오보에, 클라리넷

플루트는 가장 오래된 악기 중 하나로 간주됩니다. 그녀는 그리스, 이집트, 로마의 두루마리에 언급되어 있습니다. 이것은 매우 거장이며 이동 가능한 악기입니다.

플루트와 함께 오보에는 고대의 우위에 도전합니다. 나름대로 독특한 악기입니다. 설정을 잃지 않는 디자인입니다. 그리고 이것은 나머지 "참가자"가 그에 따라 구성되어야 함을 의미합니다. 클라리넷도 인기 있는 악기입니다. 그 사람만이 소리의 강도를 유연하게 변경할 수 있습니다. 소리의 특성이 다르기 때문에 브라스 밴드에서 가장 표현력이 뛰어난 "목소리"로 간주됩니다.

타악기

교향악단을 그룹으로 고려할 때 타악기는 구별됩니다. 그들의 기능은 리듬을 만드는 것입니다. 게다가:

풍부한 사운드 노이즈 배경의 형성을 생성합니다.
그들과 함께 멜로디 팔레트가 장식되고 보완되어 장관을 이룹니다.

소리의 특성에 따라 타악기는 두 가지 유형으로 나뉩니다.

1. 첫 번째는 특정 한계 내에서 피치를 갖습니다.

팀파니;
목금;
벨 등

2. 두 번째 유형의 악기의 경우 정확한 음높이가 결정되지 않았습니다. 다음과 같은 도구입니다.

드럼;
탬버린;
접시;
삼각형 등

팀파니는 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 그들의 소리는 그리스, 스키타이 인, 아프리카 주민들이 들었습니다. 다른 가죽 악기와 달리 팀파니는 일정한 음높이를 가지고 있습니다.

심벌즈는 공명하는 금속의 큰 원형 판입니다. 중앙에 약간의 돌출부가 있습니다. 연주자가 심벌즈를 손에 잡을 수 있도록 스트랩이 고정되어 있습니다. 공중의 소리가 더 잘 퍼지도록 서서 연주해야 합니다. 심포니 오케스트라에는 일반적으로 한 쌍의 심벌즈가 있습니다.

실로폰과 같은 다른 원래 장치가 있습니다. 소리가 나는 몸체는 나무로 만든 다양한 크기의 블록 형태로 제공됩니다. 러시아 민속 오케스트라가 실로폰 없이 연주하는 경우는 드뭅니다. 나무 블록은 딸깍하고 건조하고 날카로운 소리를냅니다. 때론 그로테스크하고 기괴한 이미지로 우울한 분위기를 선사하기도 한다.

민속 악기 오케스트라에 포함된 실로폰 및 기타 유사한 악기는 줄거리환상적이거나 서사시적인 에피소드가 있는 곳.

교향악단의 금관악기 하면 가장 먼저 떠오르는 것이 트럼펫입니다. 그녀는 오페라 오케스트라에 처음 합류했습니다. 그 음색은 서정적이라고 할 수 없으며 독점적인 팡파르 악기입니다. 그리고 호른은 음악 그룹에서 가장 시적인 것으로 간주됩니다. 그녀의 음색은 낮은 음역에서는 우울하고 높은 음역에서는 너무 긴장됩니다.

색소폰은 금관악기와 목관악기 사이의 중간 위치를 차지했습니다. 사운드 파워 면에서는 클라리넷을 능가합니다. 지난 세기 초부터 그의 목소리는 재즈 앙상블을 지배했습니다. 이러한 튜바와 같은 교향악단의 관악기를 "베이스"라고 합니다. 그것은 구리 그룹의 범위에서 가장 낮은 섹션을 커버할 수 있습니다.

하프는 오케스트라에 완벽한 추가입니다

주요 구성 외에도 하프와 같은 추가 악기가 도입됩니다. 음악의 역사인류는 하프를 가장 오래된 악기로 간주합니다. 그 시작은 풀어놓은 현의 선율적인 소리에서 비롯되었습니다. 그래서 고대 활은 점차 아름다운 하프로 변모했습니다.

하프 - 뽑아 현악기. 그녀의 아름다움은 다른 "참가자"들 사이에서 두드러집니다. 그리고 그녀의 거장 능력도 마찬가지로 독특합니다. 다음을 수행합니다.

넓은 화음;
글리산도;
아르페지오의 구절;
배음.

오케스트라에서 하프는 감정적인 역할이 아니라 다채로운 역할을 한다. 그녀는 종종 다른 악기의 반주자로 활동합니다. 그러나 하프가 독주자가 되는 순간에 놀라운 효과를 얻을 수 있습니다.

동영상:

"마음에 불을 붙이고,

드럼은 또 논쟁을 벌이고 있다.
그리고 캠프는 파도와 함께 놀고,
그리고 사랑은 눈에서 타오른다.

레일라

타악기는 항상 모든 음악의 중요한 부분이었습니다. 음악 문화. 따라서 타악기가 필요한 악단 및 기악단의 수를 정확히 파악하기 어렵다. 이러한 음악 그룹 중 하나는 리듬, 템포 및 다이내믹스와 같은 음악적 표현 수단을 전달하는 타악기 그룹 없이는 상상할 수 없는 현대 심포니 오케스트라입니다. 심포니 오케스트라의 타악기 그룹은 시대와 방향에 따라 음악의 발전과 변화 덕분에 시간이 지남에 따라 변화했습니다. 현대 교향악단은 타악기 그룹에 많은 관심을 기울이는데, 연주되는 곡의 성격에 따라 악기 구성이 다양할 수 있다. 드럼은 듣는 사람에게 작곡가의 어떤 메시지와 생각을 전달합니다. 지각의 완성도를 위해서는 타악기의 음색과 교향악단의 다양한 음색의 균형을 유지하는 것이 매우 중요합니다. 드럼은 모양과 크기, 만드는 재료, 마지막으로 심포니 오케스트라의 다른 그룹의 소리의 특성이 다르기 때문에 오케스트라의 다른 그룹과 상호 작용할 때 드럼의 특성을 이해하는 것이 필요합니다. 그들의 소리가 작품에 미치는 영향과 듣는 사람의 음악 인식에 미치는 영향.

이 연구 문제의 관련성은 J. Haydn의 교향악단 창단 이후 현재까지 존재해 왔습니다. 현 단계에서 이 문제의 본질은 교향악단의 타악기 그룹의 역할의 중요성을 지적할 필요성에 있다.

문제의 관련성을 기반으로 우리는 공식화했습니다.연구 주제: "교향악단의 타악기".

연구 주제를 바탕으로 우리는이 글의 목적 - 교향악단에서 타악기 그룹의 역할을 보여줍니다.

연구 목표:

타악기의 발전사를 연구하고 오케스트라의 타악기 발전을 분석한다.
심포니 오케스트라의 타악기 그룹을 추상화하여 표시합니다.
발달을 고려하여 타악기의 수준을 비교하십시오.
이 문제에 대한 정보를 체계화하고 주제에 대한 정보를 요약합니다.

연구 방법:

문헌의 선택, 연구 및 분석;
연구 자료의 체계화;
받은 정보를 요약합니다.

제1장 심포니 오케스트라 타악기

1.1. 오케스트라의 개념, 기원과 구성

오케스트라 (그리스 오케스트라에서) - 기악 음악가의 대규모 팀. 실내악 앙상블과 달리 오케스트라에서는 일부 음악가가 그룹을 형성하여 같은 부분을 함께 연주합니다.
기악 연주자 그룹이 동시에 음악을 만드는 아이디어는 고대 이집트로 거슬러 올라갑니다. 고대 이집트에서도 소규모 음악가 그룹이 다양한 휴일과 장례식에서 함께 연주했습니다.
"오케스트라"("오케스트라")라는 단어는 비극이나 희극의 참가자였던 고대 그리스 합창단이 있던 고대 그리스 극장의 무대 앞 원형 플랫폼의 이름에서 유래했습니다. 르네상스 시대와 더 나아가 17세기에 오케스트라는 오케스트라 피트로 변형되었으며 따라서 그 안에 위치한 음악가 그룹에 이름을 부여했습니다.

오케스트라에는 군용 금관악기와 목관악기, 민속악기 오케스트라, 현악 오케스트라 등 다양한 유형이 있습니다. 구성 면에서 가장 크고 기능면에서 가장 풍부한 것은 교향악단입니다.

교향곡 현악기, 관악기 및 타악기로 구성된 여러 이질적인 악기 그룹으로 구성된 오케스트라라고 합니다. 그러한 통일의 원칙은 18세기에 유럽에서 구체화되었습니다. 처음에 교향악단은 활을 휘두르는 악기, 목관악기 및 금관 악기 그룹을 포함했으며 여기에 몇 가지 타악기가 추가되었습니다. 결과적으로 이들 각 그룹의 구성은 확장되고 더 다양해졌습니다. 현재 교향악단의 여러 변종 중에서 대소 교향악단을 구별하는 것이 관례이다.스몰 심포니 오케스트라- 이것은 주로 고전 작곡의 오케스트라입니다(18세기 후반 - 19세기 초반의 음악 또는 현대 양식의 연주). 2개의 플루트(드물게 작은 플루트), 2개의 오보에, 2개의 클라리넷, 2개의 바순, 2개의(드물게는 4개의) 호른, 때때로 2개의 트럼펫과 팀파니, 20개 이하의 악기(제1바이올린 5개 및 제2바이올린 4개)로 구성된 현 그룹으로 구성됩니다. , 비올라 4개, 첼로 3개, 더블 베이스 2개).그랜드 심포니 오케스트라구리 그룹에 필수 트롬본을 포함하며 모든 구성을 가질 수 있습니다. 종종 목제 악기(플루트, 오보에, 클라리넷 및 바순)는 각 가족의 최대 5개 악기(때로는 더 많은 클라리넷)에 이르며 품종(픽 및 알토 플루트, 큐피드 오보에 및 잉글리시 오보에, 소형, 알토 및 베이스 클라리넷, 콘트라바순)을 포함합니다. 구리 그룹에는 최대 8개의 호른(특수 Wagner 튜바 포함), 5개의 트럼펫(스몰, 알토, 베이스 포함), 3-5개의 트롬본(테너 및 테너베이스) 및 튜바가 포함될 수 있습니다. 색소폰이 자주 사용됩니다(재즈 오케스트라에서는 4가지 유형 모두). 스트링 그룹은 60개 이상의 악기에 도달합니다. 타악기(팀파니, 종, 크고 작은 드럼, 삼각형, 심벌즈 및 인디언 탐탐이 백본을 형성하지만)가 많고 하프, 피아노, 하프시코드가 자주 사용됩니다.

심포니 오케스트라수세기에 걸쳐 형성된. 오랜 시간 동안 오페라와 교회 앙상블의 깊이에서 발전했습니다. XV-XVII 세기의 그러한 그룹. 작고 다양했다. 여기에는 류트, 비올, 오보에가 있는 플루트, 트롬본, 하프, 드럼이 포함되었습니다. 점차적으로 현악기가 지배적인 위치를 차지했습니다. 비올은 더 풍부하고 선율적인 소리를 내는 바이올린으로 대체되었습니다. XVIII 세기 초. 그들은 이미 오케스트라에서 최고를 통치했습니다. 별도의 그룹과 관악기(플루트, 오보에, 바순)가 통합되었습니다. 교회 오케스트라에서 교향곡 트럼펫과 팀파니로 바꿨습니다. 하프시코드는 기악 앙상블의 필수 불가결한 멤버였습니다.
이러한 구성은 J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi에게 일반적이었습니다.
XVIII 세기 중반부터. 교향곡과 기악 협주곡의 장르가 발전하기 시작합니다. 폴리포닉 스타일의 출발은 작곡가들로 하여금 다양한 음색, 즉 오케스트라 목소리에서 나오는 구호를 위해 노력하게 했습니다.
새 도구의 기능이 변경되고 있습니다. 약한 소리를 내는 하프시코드는 점차 주도적인 역할을 잃어가고 있다. 곧 작곡가들은 그것을 완전히 버리고 주로 현악기와 관악기에 의존했습니다. 18세기 말까지에카 오케스트라의 소위 고전 구성은 약 30 개의 현, 2 개의 플루트, 2 개의 오보에, 2 개의 바순, 2 개의 파이프, 2-3 개의 호른 및 팀파니로 구성되었습니다. 클라리넷은 곧 금관악기에 합류했습니다. J. Haydn, W. Mozart는 그러한 작곡을 위해 썼습니다. L. Beethoven의 초기 작곡에서 오케스트라가 그렇습니다. 19세기에
오케스트라의 발전은 크게 두 가지 방향으로 진행되었습니다. 한편으로 작곡이 증가함에 따라 많은 유형의 악기가 풍부 해졌습니다 (로맨틱 작곡가, 주로 Berlioz, Liszt, Wagner의 장점은 이것에 좋습니다). 다른 한편으로는 오케스트라의 내부 기능이 개발되었습니다. 사운드 색상이 더 깨끗해지고 질감이 더 선명해지며 표현 자원이 더 경제적입니다(예: Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov 오케스트라). XIX 후반 - XX 세기 전반부의 오케스트라 팔레트와 많은 작곡가를 크게 풍부하게했습니다. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich 및 기타).

컨템포러리 심포니 오케스트라4개의 주요 그룹으로 구성됩니다. 오케스트라의 기초는 현악 그룹(바이올린, 비올라, 첼로, 더블 베이스)입니다. 대부분의 경우 현은 오케스트라에서 멜로디 시작의 주요 운반자입니다. 현악을 연주하는 음악가의 수는 전체 밴드의 약 2/3입니다. 목관 악기 그룹에는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순이 포함됩니다. 그들 각각은 일반적으로 독립 정당을 가지고 있습니다. 음색 채도, 다이내믹 속성 및 다양한 연주 기술에서 활을 휘두르는 악기에 이르기까지 관악기는 강력한 파워, 컴팩트한 사운드, 밝고 다채로운 색상을 가지고 있습니다. 오케스트라 악기의 세 번째 그룹은 금관 악기(호른, 트럼펫, 트롬본, 트럼펫)입니다. 그들은 오케스트라에 새로운 밝은 색상을 가져와 다이나믹한 기능을 풍부하게 하고 사운드에 힘과 광채를 부여하며 베이스 및 리드미컬한 지원 역할도 합니다.
타악기는 교향악단에서 점점 더 중요해지고 있습니다. 그들의 주요 기능은 리듬입니다. 또한 특별한 사운드 및 노이즈 배경을 만들고 색상 효과로 오케스트라 팔레트를 보완하고 장식합니다. 에 의해사운드 캐릭터드럼은 2가지 유형으로 나뉩니다. 일부는 특정 피치(팀파니, 벨, 실로폰, 벨 등)가 있고 다른 일부는 정확한 피치가 없습니다(삼각형, 탬버린, 스네어 및 베이스 드럼, 심벌즈). 주요 그룹에 포함되지 않은 악기 중 하프의 역할이 가장 중요합니다. 때때로 작곡가에는 첼레스타, 피아노, 색소폰, 오르간 및 기타 오케스트라 악기가 포함됩니다.

하이든의 오케스트라 작곡

현대의 대형 교향악단은 하이든과 만하임 학교의 작곡가가 개발한 오케스트라 구성을 기반으로 합니다.

하이든 이전에는 오케스트라의 악기들이 약한 불균일한 소리를 가지고 있었습니다. 류트, 테오르보, 하프시코드가 사용되었으며 밴드 마스터가 앉아 누락된 하모니를 채우고 개별 악기를 하나의 전체로 연결했습니다.

18세기의 모든 작곡가들과 마찬가지로 하이든은 오케스트라의 구성에 대해 자신의 교향곡을 썼습니다. 이 순간그의 손끝에 있었다." Morcin 백작을 위해 작곡된 첫 번째 교향곡은 12-16명의 음악가가 연주했습니다.

1762년 7월, Miklos Esterhazy 왕자는 14명(현악기 7명과 관악기 7명)의 오케스트라를 승인했습니다. 나중에 오케스트라의 구성은 25명 이상의 음악가(16현, 플루트, 오보에, 바순, 트럼펫, 호른, 팀파니)로 늘어났습니다.

우리 시대에는 영국의 유명한 지휘자 크리스토퍼 호그우드의 지휘 아래 고악 오케스트라 아카데미가 그 시대의 악기로 하이든의 교향곡을 연주했습니다. 작곡가의 생전에 이 교향곡이 연주되었던 Esterhaz Castle의 홀에서 음악가들은 언뜻 보기에 현악기, 나무 및 금관 악기의 비율이 이상하게 동일한 구성으로 연주했습니다. 하이든 시대에 에스터하지 오케스트라의 구성은 어땠습니까? 여기에는 4대의 제1 바이올린, 4대의 제2 바이올린, 첼로, 더블 베이스, 비올라, 2개의 오보에, 2개의 호른 및 팀파니가 포함되었습니다.

그런 다음 K. Hogwood는 제1 바이올린 6개, 제2 바이올린 4개, 비올라 3개, 첼로 2개, 더블 베이스와 같이 다른 현대적인 현 비율로 교향곡을 연주하려고 했습니다.

이 홀에서 악기의 Haydnian 비율이 가장 성공적인 것으로 나타났습니다! 하이든이 오케스트라의 위대한 감정가였음이 분명해졌습니다.

살로몬의 런던 오케스트라는 40명의 음악가로 구성되었습니다. 그런 작곡을 위해 Haydn은 12개의 런던 교향곡을 작곡했습니다. 사실, 작곡가는 교향곡 101, 103, 104번에서만 클라리넷을 사용했습니다. 아마도 모차르트의 영향으로 일어난 일입니다. 오케스트라에 클라리넷이 도입되면서 목관 악기 그룹이 완전한 짝을 이루게 되었습니다. 따라서 소규모 또는 "고전적인"교향악단의 형성이 완료되었습니다.

흥미롭게도 17세기 말에 발명된 클라리넷은 100년 후에야 오케스트라의 영구적인 "멤버"가 되었습니다. Haydn은 18세기에 Prince Esterhazy의 오케스트라에 클라리넷을 도입하려고 시도했지만 악기가 여전히 불완전했기 때문에 클라리넷은 트럼펫으로 대체되었습니다.

많은 사람들이 드럼 연주가 쉽다고 생각합니다. 한 가지 예를 들겠습니다. 라벨의 볼레로가 연주될 때 작은 북이 앞으로 밀려나와 지휘자의 스탠드 옆에 놓입니다. 왜냐하면 이 작업에서 라벨은 드럼에 매우 책임감 있는 역할을 맡겼기 때문입니다. 작은 북을 연주하는 음악가는 스페인 춤의 속도를 늦추거나 빠르게 하지 않고 통일된 리듬을 유지해야 합니다. 점점 표정이 커지고, 새로운 악기가 더 많이 추가되고, 드러머가 좀 더 빠르게 연주하는 데 끌립니다. 그러나 이것은 작곡가의 의도를 왜곡시킬 것이고 듣는 사람은 다른 인상을 받게 될 것입니다. 그런 단순한 악기를 연주하는 음악가에게 어떤 기술이 필요한지 우리가 이해할 수 있습니다. D. 쇼스타코비치는 교향곡 7번의 첫 부분에 세 개의 작은 북을 도입했습니다. 파시스트 침공 에피소드에서 불길하게 들립니다. 드럼은 또한 한때 불길한 기능을 했습니다. 측정된 분수 아래에서 혁명가는 처형으로 이끌었고 군인은 대열을 통해 쫓겨났습니다. 그리고 지금 북과 트럼펫 소리에 맞춰 행진을 하고 있습니다. 아프리카 북은 한때 전신과 같은 통신 수단이었습니다. 북의 소리는 멀리 전해져 주목받고 사용된다. 시그널 드러머들은 서로의 귀에 들리지 않는 범위에서 살았습니다. 그들 중 하나가 드럼 비트로 인코딩된 메시지를 전송하기 시작하자마자 다른 하나는 수신하여 다음 메시지로 전송했습니다. 따라서 좋은 소식이나 슬픈 소식이 먼 곳까지 퍼졌습니다. 시간이 지남에 따라 전신과 전화는 이러한 유형의 의사 소통을 불필요하게 만들었지 만 지금도 일부 아프리카 국가에서는 북의 언어를 아는 사람들이 있습니다.

1.2. 오케스트라의 타악기 그룹

현대 교향악단의 네 번째 협회는 타악기입니다. 그들은 인간의 목소리와 닮지 않았으며 그가 이해하는 언어로 그의 내적 감각에 말하지 않습니다. 그들의 측정되고 다소 정의된 소리, 딸깍거리는 소리와 딱딱거리는 소리는 오히려 "리듬적인" 의미를 갖습니다.

그들의 선율적 의무는 극히 제한적이며, 그들의 전체 존재는 이 개념의 가장 넓은 의미에서 춤의 본질에 깊이 뿌리를 두고 있습니다. 타악기 중 일부는 고대에 사용되었으며 지중해 및 아시아 동부의 사람들뿐만 아니라 일반적으로 모든 소위 "원시 민족" 사이에서 널리 사용되었습니다. 일부 징글링 및 울리는 타악기는 다음에서 사용되었습니다. 고대 그리스고대 로마는 춤과 춤을 동반하는 악기로 사용되었지만 드럼 가족의 타악기는 군대 음악 분야에 허용되지 않았습니다. 이 도구는 고대 유대인과 아랍인의 삶에서 특히 광범위하게 적용되었으며, 그곳에서 민사 업무뿐만 아니라 군사 업무도 수행했습니다.

이에 반해 현대 유럽에서는 다양한 형태의 타악기가 군악에 채택되어 매우 중요한 역할을 하고 있다. 그러나 타악기의 선율적인 빈곤은 그들이 오페라, 발레, 교향악단에 침투하는 것을 막지 못했습니다. 그러나 유럽 사람들의 예술 음악에는 이러한 악기에 대한 접근이 오케스트라에 거의 폐쇄되어 팀파니를 제외하고 오페라와 발레의 오케스트라를 통해 교향곡 음악에 진출한 때가 있었습니다. 그들이 지금 말하는 것처럼 "드라마틱한 음악"의 오케스트라를 통해.

인류의 "문화 생활"의 역사에서 타악기는 일반적으로 다른 모든 악기보다 먼저 나타났습니다. 그럼에도 불구하고 타악기가 창단 당시와 발전의 첫 단계에서 오케스트라의 배경으로 밀려드는 것을 막지는 못했다. 그리고 이것은 예술 음악에서 타악기의 엄청난 '미학적' 중요성을 여전히 부정하는 것이 불가능하기 때문에 더욱 놀라운 일입니다. 타악기의 역사는 그다지 흥미롭지 않습니다. 모든 원시 민족이 호전적이고 종교적인 춤을 추기 위해 사용했던 모든 "측정된 소음 생성을 위한 도구"는 처음에 단순한 널빤지와 비참한 북을 넘어서지 않았습니다. 그리고 훨씬 후에야 중앙 아프리카의 많은 부족과 극동의 일부 민족이 이미 모든 곳에서 받아 들여지는보다 현대적인 유럽 타악기를 만드는 데 가치있는 모델 역할을 한 그러한 악기를 획득했습니다.

음악적인 면에서 모든 타악기는 매우 간단하고 자연스럽게 두 종류 또는 종류로 나뉩니다. 어떤 사람들은 일정한 음높이의 소리를 내므로 작품의 화성적이고 선율적인 기초에 아주 자연스럽게 들어가고, 어떤 사람들은 다소 유쾌하거나 특징적인 소음을 낼 수 있는 반면 가장 넓은 의미에서 순전히 리드미컬하고 미려한 임무를 수행합니다. 단어. 또한 타악기의 장치에는 다양한 재료가 관련되어 있으며 이러한 특성에 따라 "with skin" 또는 "webbed" 악기와 "self-sounding" 악기로 나눌 수 있으며, 그 장치에 다양한 유형이 있습니다. 그리고 금속, 나무의 등급이 관련됩니다. 그리고 최근에는 - 유리. Kurt Sachs는 귀에 그다지 성공적이지 않고 매우 보기 흉한 정의를 할당했습니다. "특이한 소리"의 의미에 있는 개념은 본질적으로 동등한 근거에 있을 수 있습니다. 즉, 모든 악기 또는 그 종류에 적용됩니다.

오케스트라 악보에서 타악기의 연합은 일반적으로 금관 악기와 활 악기 사이의 가장 중간에 위치합니다. 하프, 피아노, 첼레스타 및 기타 모든 현악기 또는 건반 악기의 참여로 타악기는 항상 제자리를 유지하고 금관 악기 바로 뒤에 위치하여 모든 "장식" 또는 "우연한" 악기에 자리를 내줍니다. 오케스트라의 목소리. 현악 5중주 아래에 타악기를 쓰는 불합리한 방식은 매우 불편하고 부당하고 극도로 추악한 것으로 강력히 비난받아야 한다. 그것은 원래 고대 악보에서 생겨났고, 그 다음에는 금관악대의 내부에서 더 고립된 위치를 얻었고, 중요하지 않은 정당성을 가지고 지금은 위반되고 완전히 극복되었지만, 최소한 무엇이든 어떤 방식이든 상관없이.

그러나 최악의 점은 일부 출판사가 그러한 작곡가에게 가서 "새로운 모델"에 따라 악보를 인쇄했기 때문에이 이상한 혁신이 훨씬 더 내구성 있고 위험한 것으로 판명되었다는 것입니다. 다행히도 그러한 "발행 진주"는 많지 않았으며 예술적 장점이 압도적으로 약한 작품처럼 모든 민족의 다양한 창조적 유산에 대한 진정으로 훌륭한 예가 풍부했습니다. 타악기를 제시하는 표시된 방법이 현재 지배적인 유일한 장소(악보의 맨 아래)는 다양한 앙상블입니다. 그러나 일반적으로 참여 계기의 고도 표시에 의해서만 안내되어 모든 계기를 다르게 배열하는 것이 일반적입니다. 그 먼 시대에는 오케스트라에서 단 한 명의 팀파니만 연주하는 것이 관례였으므로 분명히 그러한 연주가 더 편리하다고 믿었습니다. 그러나 그 당시에는 일반적으로 악보가 다소 비정상적으로 구성되어 지금은 기억할 필요가 없습니다. 우리는 현대의 점수 표시 방법이 충분히 간단하고 편리하기 때문에 방금 자세히 언급한 모든 종류의 조작에 관여할 필요가 없다는 데 동의해야 합니다.

이미 언급했듯이 모든 타악기는 일정한 음높이가 있는 악기와 일정한 음높이가 없는 악기로 나뉩니다. 현재 이 구분은 때때로 논쟁의 여지가 있지만, 이 방향, 음높이의 자명한 개념을 매번 기억할 필요조차 없는 매우 명확하고 단순한 입장의 본질을 오히려 혼란스럽고 의도적으로 강조하는 것으로 귀결됩니다. 오케스트라에서 "특정 소리가 있는" 악기는 우선 5줄 오선 또는 보표를 의미하고 "무한한 소리가 있는" 악기는 음악 표기법의 조건부 방법인 "후크" 또는 "실"을 의미합니다. 즉, 음표 머리가 필요한 리듬 패턴만을 나타내는 하나의 단일 라인입니다. 매우 적절하게 이루어진 그러한 변형은 자리를 확보하고 상당한 수의 타악기를 사용하여 프레젠테이션을 단순화하기 위한 것이었습니다. 그러나 얼마 전까지만 해도 "정확한 소리가 없는" 모든 타악기에는 Sol과 Fa의 키가 있는 일반 보표가 채택되었고 조건부로 음표 헤드가 공백 사이에 배치되었습니다. 그러한 기보법의 불편함은 타악기의 수가 "천문학적 한계"에 이르자 영향을 미치게 되었고, 이러한 표현 방식을 사용했던 작곡가들 자신은 윤곽선의 불완전한 발달 순서에서 길을 잃는다. .

그러나 키와 스레드의 조합에 생명을 불어넣은 것은 말하기가 매우 어렵습니다. 아마도 문제는 잘못된 인쇄로 시작되어 현에 높은 음자리표를 설정하기 시작한 일부 작곡가를 매료 시켰습니다. 상대적으로 높은 타악기 용으로, 상대적으로 낮은 타악기 용 Fa 키. 그러한 발표의 부조리와 완전한 불일치에 대해 여기서 말할 필요가 있습니까? 우리가 아는 한, 실의 키는 독일에서 인쇄된 의심할 여지 없는 오타를 나타내는 Anton Rubinstein의 악보에서 처음으로 발견되었으며 훨씬 나중에 플랑드르 작곡가 Arthur Meulemans(1884-? ), 키 솔과 가장 낮은 키 Fa를 중간 스레드에 공급하는 것을 규칙으로 만든 사람입니다. 이러한 프리젠테이션은 키로 표시되지 않은 두 스레드 사이에 하나가 Fa 키로 표시되는 경우에 특히 거칠게 보입니다. 그런 의미에서 벨기에 작곡가 Francis de Bourguignon(1890~?)은 악보에 참여하는 각 스레드에 키를 제공하여 보다 일관성이 있는 것으로 나타났습니다.

프랑스 출판사는 라틴 문자 "H"를 닮은 두 개의 수직 굵은 막대 형태로 타악기용 특수 "키"를 채택하고 코드 자체에서 실을 긋습니다. 일반적으로 오케스트라 악보의 외적 완성도를 궁극적으로 이끌어내는 한 그러한 사건에 반대할 것은 없습니다.

그러나 오늘날까지 타악기 발표에 있어 여전히 존재하는 "불안정함"에 직면하여 이러한 모든 기이함을 0과 동일하게 인식하는 것이 공정할 것입니다. Rimsky-Korsakov는 또한 모든 자기 소리가 나는 악기, 또는 그가 "확정한 소리가 없는 타악기 및 울림"이라고 부르는 악기는 삼각형, 캐스터네츠, 종, 중간 악기-탬버린, 막대와 같은 높은 악기로 간주될 수 있다고 제안했습니다. , 스네어 드럼, 심벌즈, 저음 드럼 및 탐탐으로 "특정 피치의 소리가 있는 악기에서 오케스트라 음계의 해당 영역과 결합할 수 있는 능력"을 의미합니다. 타악기 목록에서 "막대"를 제외해야 하는 일부 세부 사항을 제외하고 "타악기 액세서리"로 타악기 자체가 아닌 Rimsky-Korsakov의 관찰은 오늘날까지 완전히 남아 있습니다. 힘. 이 가정에 기초하여 모든 최신 타악기를 보완하여 모든 타악기를 음높이 순서대로 배열하고 "중간" 위에 "높음"을, "낮음" 위에 "중간"이라고 쓰는 것이 가장 합리적입니다. 그러나 작곡가들 사이에 만장일치가 없으며 타악기의 발표는 자의적이다.

이러한 상황은 타악기의 우발적인 참여에 의해서만 설명될 수 있지만, 작곡가 자신과 그들의 나쁜 습관 또는 잘못된 가정에 대한 완전한 무시로 설명될 수 있습니다. 이러한 "악기 잡동사니"에 대한 유일한 정당성은 엄격하게 정의된 악기가 각 연주자에게 할당될 때 이 경우 작동하는 타악기의 전체 구성을 당사자의 순서로 제시하려는 욕망일 수 있습니다. 단어의 결점을 찾는 이러한 설명은 드러머 자체의 부분에서 더 의미가 있으며 악보에서는 "현학적 정확성"으로 유지될 때만 유용합니다.

타악기의 제시 문제로 돌아가서, 상당히 저명한 작곡가를 비롯한 많은 작곡가의 바람은 팀파니 바로 뒤에 심벌즈와 베이스 드럼을 배치하고, 이들 후자 아래에 삼각형, 종 및 실로폰을 배치하려는 것은 무조건적으로 인식되어야 합니다. 실패. 물론 그러한 문제에 대한 해결책에 대한 충분한 근거는 없으며, 이 모든 것은 "원본"이 되고자 하는 부당한 욕망에 기인할 수 있습니다. 가장 단순하고 자연스러우며 현대 오케스트라에서 운용되는 타악기의 엄청난 수에 비추어 볼 때 가장 합리적인 것은 모든 타악기를 현을 사용하는 것보다 높은 오선으로 배치하는 것이라고 생각할 수 있습니다.

물론 각 개별 협회에서 Rimsky-Korsakov의 견해를 고수하고 상대적인 피치에 따라 투표를 하는 것이 바람직할 것입니다. 이러한 이유로 "원래의 전통"에 따라 우선 순위를 유지하는 팀파니 이후에 실로폰과 마림바 위에 벨, 비브라폰, 튜바폰을 놓을 수 있습니다. 특정 소리가 없는 악기의 경우 참가자가 많기 때문에 이러한 배포가 다소 어려울 수 있지만 이 경우 작곡가가 위에서 이미 많이 언급한 잘 알려진 규칙을 준수하는 것을 막을 수 있는 것은 없습니다. .

자기 소리가 나는 악기의 상대적인 음높이를 결정하는 것은 기본적으로 루머를 일으키지 않으며, 그렇다면 루머도 일으키지 않는다고 생각해야 합니다. 구현에 대한 어려움. 벨만 일반적으로 모든 타악기 아래에 배치됩니다. 파티는 일반적으로 해당 녹음에서 수행되는 것처럼 완전한 "링"이 아닌 기존의 음표 개요와 리드미컬한 지속 시간에 만족하기 때문입니다. 긴 금속 파이프처럼 보이는 "이탈리아" 또는 "일본" 벨의 일부는 "특정한 소리를 내는" 다른 모든 악기 아래에 배치되는 일반적인 5줄 보표가 필요합니다. 결과적으로, 여기의 종은 "확실함"과 "불확실함"이라는 공통된 특징인 소리로 결합된 보표의 틀 역할도 합니다. 그렇지 않으면 타악기 녹음에 특별한 점은 없으며 어떤 이유로 든 나타나는 경우 적절한 위치에 언급됩니다.

현대 교향악단에서 타악기는 리듬의 두 가지 목적만을 제공합니다. 즉, 움직임의 선명도와 날카로움을 유지하기 위한 리듬과 가장 넓은 의미의 장식, 저자가 타악기를 사용하여 매혹적인 사운드 그림 또는 "기분", 흥분, 열정 또는 충동으로 가득 차 있습니다. 물론 지금까지 언급한 바에 따르면 타악기는 세심한 주의와 맛, 절제를 가지고 사용해야 합니다. 타악기의 다양한 소리는 듣는 사람의 주의를 빨리 지치게 할 수 있으므로 저자는 항상 타악기가 무엇을 하는지 기억해야 합니다. 팀파니만이 특정 이점을 누릴 수 있지만 과도한 초과로 인해 이러한 이점도 무효화될 수 있습니다.

고전은 타악기에 많은 관심을 기울였지만 오케스트라의 유일한 구성원 수준으로 끌어 올리지 못했습니다. 이와 같은 일이 발생하면 드럼 연주는 대부분 소절의 몇 비트로 제한되거나 전체 구성의 극히 미미한 기간으로 만족했습니다. 러시아 음악가 중 림스키-코르사코프는 스페인 카프리치오에서 매우 풍부하고 표현력이 풍부한 음악에 대한 소개로 타악기 중 하나를 사용했지만 대부분의 독주 타악기는 작가가 원할 때 "극적인 음악"이나 발레에서 발견됩니다. 특히 날카롭고 특별하거나 "놀라운 느낌"을 만듭니다. 이것이 바로 Sergei Prokofiev가 한 일입니다. 연주이집트의 밤. 여기서 타악기의 울림은 작가가 "Alarm"이라는 제목을 붙인 Cleopatra의 아버지 집에서 소동의 장면을 동반합니다. 타악기와 Victor Oransky(1899-1953)의 서비스를 거부하지 않았습니다. 그는 발레 Three Fat Men에서 이 놀라운 울림을 사용할 기회를 가졌습니다. 그는 "괴상한 춤"의 날카로운 리드미컬한 캔버스에 하나의 타악기 반주를 맡겼습니다. 마지막으로, 아주 최근에 "다이나믹"의 복잡한 시퀀스에 사용되는 일부 타악기의 서비스가

그런 '예술적 폭로'를 비웃던 프랑스인은 '소음'이라는 brui의 파생어인 bruisme가 여기에서 유래한 것인지 오히려 독을 품고 묻는다. 러시아어에는 이에 상응하는 개념이 없지만 오케스트레이터는 이미 "타악기 탈곡기"의 정의를 악의적으로 불렀던 그러한 음악의 새로운 이름을 처리했습니다. 그의 초기 교향곡 중 하나에서 Alexander Cherepnin은 그러한 "앙상블"에 전체 부분을 바쳤습니다. 활 5중주를 타악기로 사용하는 것과 관련하여 이 작업에 대해 약간 이야기할 기회가 이미 있었으므로 급하게 다시 이 작업으로 돌아갈 필요는 없습니다. 쇼스타코비치는 또한 그의 창조적 세계관이 아직 충분히 안정적이고 성숙하지 못한 당시의 불행한 "충격" 망상에 경의를 표했습니다.

문제의 "의성" 측면은 완전히 제쳐두고, 실제로 사용되는 타악기의 수가 가장 적은 작가가 주로 의도한 모든 음악의 "타악기 느낌"만을 생성하려는 욕망 또는 더 정확하게는 예술적 필요가 있을 때 현악기 및 목관악기용. 매우 재치 있고 재미있고 탁월한 "오케스트라에서" 소리가 나는 그러한 예 중 하나에 참여하는 악기의 구성이 이 개념으로 정확하게 정의될 수 있다면 Oransky의 발레 Three Fat Men에서 찾을 수 있으며 Patrol이라고 합니다.

그러나 음악 형식주의의 가장 터무니없는 예는 Edgard Varèse(1885-?)의 작품입니다. 13명의 연주자를 위해 설계되었으며 두 가지 타악기 조합을 위해 고안되었으며 "채도"를 의미하는 저자 lonisation이라고 합니다. 이 "작품"은 피아노와 함께 날카로운 소리를 내는 타악기만을 포함합니다. 그러나 이 후자는 "타악기"로도 사용되며 연주자는 알다시피 한쪽 팔꿈치로만 연주하자고 제안한 Henry Cauel(1897-?)의 최신 "미국식 방법"에 따라 연주합니다. 키보드의 전체 너비에 걸쳐 당시 언론의 리뷰에 따르면, 이것은 현재 세기의 30년대에 일어났습니다. 이 작업으로 인해 광란의 상태에 빠진 파리의 청취자들은 즉시 반복을 요구했으며 즉시 수행되었습니다. 나쁜 말을 하지 않아도 현대 오케스트라의 역사는 두 번째 "사례"를 아직 모릅니다.